ЭКСПОНЕНТЫ
XV МОСКОВСКИЙ МЕЖДУНАРОДНЫЙ ФЕСТИВАЛЬ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА "ТРАДИЦИИ И СОВРЕМЕННОСТЬ"
ТИС ФЕСТ 2026
11-14 ИЮНЯ 2026
ГОСТИНЫЙ ДВОР, МОСКВА
ЭКСПОНЕНТЫ
Надежда Семирог
Современный художник, инсталлятор, г. Москва (Россия)
«Имперский шепот», 2025
Надежду Семирог как питерскую москвичку, родившуюся в Царском Селе, вдохновляют дворцы, парки и барокко, с его объемами, роскошью, изысканностью и витиеватостью.
В работе «Имперский шепот» она переосмыслила вековую роскошь, превратив ее в современную реальность. Золотой цвет, плавные линии, форма — диалог между прошлым и настоящим, между традицией и инновацией. Элементы вместе создают уникальную работу, отражающую историю и культуру, но в современном контексте.
Серия может стать символом дома, напоминая о величии и красоте.
«Прорыв», 2025
В серии «Прорыв» художник обращается к метафоре земного шара, окутанного паутиной зеленых бесценных бумажек. Работа поднимает фундаментальные вопросы: когда материальные ценности заняли первую ступень пьедестала, стали превыше всего? как некогда просто удобная денежная система стала мерилом всего сущего, воды, земли и человеческих свобод? почему она стала диктовать, как жить, с кем дружить, какие идеалы важны? Зеленая паутина опутала весь мир и диктует условия. Необходимо прорвать ее, вернувшись к вечным ценностям.
Эта работа — диагноз эпохе и в то же время манифест надежды, призывающий к сохранению идентичности, самобытности, суверенности, которые нужно передать будущим поколениям.
«Время ДОБРА»
Центральный символ и метафора — Одуванчик: белый, пушистый, воздушный, отдающий всего себя миру, рассеивающий добро повсюду. Чистая и хрупкая фактура цветка способна к невероятной стойкости и возрождению. Добро, как одуванчик, кажется незащищенным, но обладает удивительной жизнеспособностью. Оно пробивается сквозь асфальт, выдерживает бури, разносит семена на огромные расстояния.
Проект «Время ДОБРА» художественно исследует неиссякаемую силу человечности. Доброта — одна из самых ярких черт национального характера, порой граничащей с наивностью. Проект прослеживает путь добра сквозь время, через личные переживания и коллективные трагедии, показывает, как после самых глубоких потрясений мир находит силы возродиться.
Проект состоит из трех взаимосвязанных частей: инсталляции «Сей добро», серии картин «Время ДОБРА», картины «Слезы Земли».
Надежда Семирог
Современный художник, инсталлятор, г. Москва (Россия)
«Имперский шепот», 2025
Надежду Семирог как питерскую москвичку, родившуюся в Царском Селе, вдохновляют дворцы, парки и барокко, с его объемами, роскошью, изысканностью и витиеватостью.
В работе «Имперский шепот» она переосмыслила вековую роскошь, превратив ее в современную реальность. Золотой цвет, плавные линии, форма — диалог между прошлым и настоящим, между традицией и инновацией. Элементы вместе создают уникальную работу, отражающую историю и культуру, но в современном контексте.
Серия может стать символом дома, напоминая о величии и красоте.
«Прорыв», 2025
В серии «Прорыв» художник обращается к метафоре земного шара, окутанного паутиной зеленых бесценных бумажек. Работа поднимает фундаментальные вопросы: когда материальные ценности заняли первую ступень пьедестала, стали превыше всего? как некогда просто удобная денежная система стала мерилом всего сущего, воды, земли и человеческих свобод? почему она стала диктовать, как жить, с кем дружить, какие идеалы важны? Зеленая паутина опутала весь мир и диктует условия. Необходимо прорвать ее, вернувшись к вечным ценностям.
Эта работа — диагноз эпохе и в то же время манифест надежды, призывающий к сохранению идентичности, самобытности, суверенности, которые нужно передать будущим поколениям.
«Время ДОБРА»
Центральный символ и метафора — Одуванчик: белый, пушистый, воздушный, отдающий всего себя миру, рассеивающий добро повсюду. Чистая и хрупкая фактура цветка способна к невероятной стойкости и возрождению. Добро, как одуванчик, кажется незащищенным, но обладает удивительной жизнеспособностью. Оно пробивается сквозь асфальт, выдерживает бури, разносит семена на огромные расстояния.
Проект «Время ДОБРА» художественно исследует неиссякаемую силу человечности. Доброта — одна из самых ярких черт национального характера, порой граничащей с наивностью. Проект прослеживает путь добра сквозь время, через личные переживания и коллективные трагедии, показывает, как после самых глубоких потрясений мир находит силы возродиться.
Проект состоит из трех взаимосвязанных частей: инсталляции «Сей добро», серии картин «Время ДОБРА», картины «Слезы Земли».
Макс Борисов
Художник, кастом-дизайнер, г. Москва (Россия)
Автор работает на пересечении стрит-арта, моды и перформанса. Его знаковый мотив — «глаз» — появляется на зданиях, одежде, обуви, автомобилях. В более поздних работах он расширяет визуальный язык, включая в них портреты, абстракцию, автобиографические сюжеты.
Макс участвует в уличных и выставочных событиях, где кастом-объекты, картины и инсталляции становятся элементом взаимодействия с аудиторией.
Провокационные перформансы Борисова подчеркивают личное и интимное, превращая тело и вещи в арт-объекты. Его творчество передает ироничное отношение к массовой культуре и моде, а также искусственно созданным мифам вокруг известности, брендинга и цифровой идентичности.
Художник, кастом-дизайнер, г. Москва (Россия)
Автор работает на пересечении стрит-арта, моды и перформанса. Его знаковый мотив — «глаз» — появляется на зданиях, одежде, обуви, автомобилях. В более поздних работах он расширяет визуальный язык, включая в них портреты, абстракцию, автобиографические сюжеты.
Макс участвует в уличных и выставочных событиях, где кастом-объекты, картины и инсталляции становятся элементом взаимодействия с аудиторией.
Провокационные перформансы Борисова подчеркивают личное и интимное, превращая тело и вещи в арт-объекты. Его творчество передает ироничное отношение к массовой культуре и моде, а также искусственно созданным мифам вокруг известности, брендинга и цифровой идентичности.
Игорь Гуляев
Дизайнер-кутюрье, г. Москва (Россия)
Новатор меховой моды Игорь Гуляев — основатель модного дома IGORGULYAEV и молодежной линии одежды «GULЯЙ!». Его работы сочетают сложный крой и роскошные материалы, придавая образам театральность.
В созданных им костюмах выступали Уитни Хьюстон, Орнелла Мути, Монсеррат Кабалье, Лара Фабиан, Канье Уэст, Алла Пугачева, Филипп Киркоров.
Гуляев работал в модной индустрии в Болгарии, Греции, Италии. В 2009 году он основал в Санкт-Петербурге модный дом и вскоре вывел коллекции на Недели моды в Милане, Дубае, Москве, став одним из первых российских дизайнеров, презентовавших свои работы на международных площадках.
Кутюрье позиционирует моду как продолжение театра и кино, а его показы часто напоминают спектакли с продуманной сценографией и драматургией.
Дизайнер-кутюрье, г. Москва (Россия)
Новатор меховой моды Игорь Гуляев — основатель модного дома IGORGULYAEV и молодежной линии одежды «GULЯЙ!». Его работы сочетают сложный крой и роскошные материалы, придавая образам театральность.
В созданных им костюмах выступали Уитни Хьюстон, Орнелла Мути, Монсеррат Кабалье, Лара Фабиан, Канье Уэст, Алла Пугачева, Филипп Киркоров.
Гуляев работал в модной индустрии в Болгарии, Греции, Италии. В 2009 году он основал в Санкт-Петербурге модный дом и вскоре вывел коллекции на Недели моды в Милане, Дубае, Москве, став одним из первых российских дизайнеров, презентовавших свои работы на международных площадках.
Кутюрье позиционирует моду как продолжение театра и кино, а его показы часто напоминают спектакли с продуманной сценографией и драматургией.
Жан-Пьер Брюстье
Художник, г. Тулуза (Франция)
Художник-самоучка Жан-Пьер Брюстье родился на юге Франции. Парадоксально, но именно глубокая связь с родной землей стала отправной точкой его странствий.
Движимый любопытством к миру, он отправился в путешествие по пяти континентам, стремясь погрузиться в разные культурные и социальные контексты. Работая с наиболее уязвимыми сообществами, в 1993 году он получил символические ключи от Детройта (штат Мичиган, США). До него среди французов такой чести удостаивался лишь Жак-Ив Кусто, также ставший почетным гражданином этого города.
Творчество Брюстье сосредоточено на живописной экспрессии и идее возрождения. В его работах развиваются темы связей, переходов, лиц-масок, раскрывающих человеческую природу, а также мотивы «потустороннего». Его искусство можно рассматривать как попытку через духовный опыт преодолеть восприятие разобщенного человечества.
Произведения Брюстье представлены в музейных собраниях и частных коллекциях по всему миру.
Художник, г. Тулуза (Франция)
Художник-самоучка Жан-Пьер Брюстье родился на юге Франции. Парадоксально, но именно глубокая связь с родной землей стала отправной точкой его странствий.
Движимый любопытством к миру, он отправился в путешествие по пяти континентам, стремясь погрузиться в разные культурные и социальные контексты. Работая с наиболее уязвимыми сообществами, в 1993 году он получил символические ключи от Детройта (штат Мичиган, США). До него среди французов такой чести удостаивался лишь Жак-Ив Кусто, также ставший почетным гражданином этого города.
Творчество Брюстье сосредоточено на живописной экспрессии и идее возрождения. В его работах развиваются темы связей, переходов, лиц-масок, раскрывающих человеческую природу, а также мотивы «потустороннего». Его искусство можно рассматривать как попытку через духовный опыт преодолеть восприятие разобщенного человечества.
Произведения Брюстье представлены в музейных собраниях и частных коллекциях по всему миру.
Юлия Бессараб
Художник, г. Санкт-Петербург (Россия)
Практика автора соединяет традиции академической школы и интерес к образу человека в искусстве. В своих работах Юлия Бессараб обращается к теме женской красоты — одним из ключевых направлений творчества стали портреты, в которых внимание сосредоточено на характере, эмоциональном состоянии, тонких психологических оттенках образов.
Юлия Бессараб окончила Санкт-Петербургское художественное училище им. Н.К. Рериха по квалификации «художник-реставратор», а также Ленинградский государственный университет имени А.С. Пушкина по специальности «преподаватель изобразительного искусства». Участвовала в реставрации икон музейного фонда национального парка «Кенозерский» и в реставрационных работах Дворца Петра III в Ломоносове.
Автор состоит в Союзе русских художников, преподает в художественной мастерской Miloart в Санкт-Петербурге. Ее творческая и выставочная биография включает совместную выставку «Я и мой ученик» в Дудинке, призовое место в региональном туре X Молодежных Дельфийских игр России, авторские выставки «Магия цвета» и «О чем поет душа художника», а также персональный проект «Атлас Таинственной красоты» на арт-фестивале «Гардарика» в Нальчике.
Художник, г. Санкт-Петербург (Россия)
Практика автора соединяет традиции академической школы и интерес к образу человека в искусстве. В своих работах Юлия Бессараб обращается к теме женской красоты — одним из ключевых направлений творчества стали портреты, в которых внимание сосредоточено на характере, эмоциональном состоянии, тонких психологических оттенках образов.
Юлия Бессараб окончила Санкт-Петербургское художественное училище им. Н.К. Рериха по квалификации «художник-реставратор», а также Ленинградский государственный университет имени А.С. Пушкина по специальности «преподаватель изобразительного искусства». Участвовала в реставрации икон музейного фонда национального парка «Кенозерский» и в реставрационных работах Дворца Петра III в Ломоносове.
Автор состоит в Союзе русских художников, преподает в художественной мастерской Miloart в Санкт-Петербурге. Ее творческая и выставочная биография включает совместную выставку «Я и мой ученик» в Дудинке, призовое место в региональном туре X Молодежных Дельфийских игр России, авторские выставки «Магия цвета» и «О чем поет душа художника», а также персональный проект «Атлас Таинственной красоты» на арт-фестивале «Гардарика» в Нальчике.
Аллан Ранну
Художник, г. Москва (Россия)
Практика Аллана Ранну охватывает живопись, фотографию, видеоарт, компьютерную графику. Изобразительным искусством автор занимается с детства. С шести лет он учился в таллинской живописной мастерской. Позднее изучал монгольско-тибетскую настенную живопись в Бурятии и Монголии, а также персидскую миниатюру в Узбекистане.
Ранну более 20 лет путешествовал по Средней Азии, исходил пешком Памир и Тянь-Шань, бывал в Индии, Непале, Шри-Ланке. Восточные традиции сильно повлияли не его творчество. Большинство работ Ранну связаны с Тибетом.
Картины автора находятся в частных и государственных коллекциях. Художник провел ряд персональных выставок в России, Эстонии, Швейцарии, ЮАР, США, а также участвовал в групповых проектах. Имеет опыт работы в кино — был художником в фильм «Юность гения» Эльёра Ишмухамедова.
Художник, г. Москва (Россия)
Практика Аллана Ранну охватывает живопись, фотографию, видеоарт, компьютерную графику. Изобразительным искусством автор занимается с детства. С шести лет он учился в таллинской живописной мастерской. Позднее изучал монгольско-тибетскую настенную живопись в Бурятии и Монголии, а также персидскую миниатюру в Узбекистане.
Ранну более 20 лет путешествовал по Средней Азии, исходил пешком Памир и Тянь-Шань, бывал в Индии, Непале, Шри-Ланке. Восточные традиции сильно повлияли не его творчество. Большинство работ Ранну связаны с Тибетом.
Картины автора находятся в частных и государственных коллекциях. Художник провел ряд персональных выставок в России, Эстонии, Швейцарии, ЮАР, США, а также участвовал в групповых проектах. Имеет опыт работы в кино — был художником в фильм «Юность гения» Эльёра Ишмухамедова.
Дарья Санатина
Художник, перформер, г. Москва (Россия)
Дарья Санатина — художник и писатель, лауреат всероссийских и международных конкурсных выставок, создатель сети арт-студий и бренда «Смотри внутрь». Она входит в список лучших современных художников России по версии ARTeex и состоит в Ассоциации Евразийского художественного союза.
В своей практике Дарья Санатина развивает авторскую технику «скульптурной живописи», формируя новое направление в современном искусстве. Художница также работает с перформансом и создает картины с закрытыми глазами.
Работы автора представлены в частных коллекциях, среди владельцев — народный артист России Филипп Киркоров, коллекционер Сергей Шмотьев, помощник президента Азербайджана Анар Алекперов.
Художник, перформер, г. Москва (Россия)
Дарья Санатина — художник и писатель, лауреат всероссийских и международных конкурсных выставок, создатель сети арт-студий и бренда «Смотри внутрь». Она входит в список лучших современных художников России по версии ARTeex и состоит в Ассоциации Евразийского художественного союза.
В своей практике Дарья Санатина развивает авторскую технику «скульптурной живописи», формируя новое направление в современном искусстве. Художница также работает с перформансом и создает картины с закрытыми глазами.
Работы автора представлены в частных коллекциях, среди владельцев — народный артист России Филипп Киркоров, коллекционер Сергей Шмотьев, помощник президента Азербайджана Анар Алекперов.
Альваро Ниликс
Художник, промышленный дизайнер, декоратор, г. Москва (Россия)
Альваро Ниликс (Андрей Воронин) работает в области декоративно-прикладного искусства и станковой живописи. Ранний этап его профессионального пути связан с Дмитровским фарфоровым заводом, где в составе художественной лаборатории он участвовал в создании авторских коллекций на основе народных промыслов. Эти работы были представлены на российских и международных выставках. Параллельно Воронин работал в графическом дизайне, сотрудничая с журналом «Советская женщина».
В дальнейшем художник сосредоточился на авторских проектах в сфере предметного дизайна и интерьера: создавал фрески и декоративные элементы для частных архитектурных объектов, развивал собственную мастерскую «Арт Мастер», занимался реставрацией антикварной мебели и производством уникальных предметов роскоши, руководил собственным проектом Exclusive Backgammon.
Путешествия по странам Азии повлияли на смену художественного фокуса и привели к переходу в станковую живопись. В авторской практике Psy Art Воронин соединяет декоративную структуру, опыт работы с материалами и интерес к визуально насыщенной композиции.
Художник, промышленный дизайнер, декоратор, г. Москва (Россия)
Альваро Ниликс (Андрей Воронин) работает в области декоративно-прикладного искусства и станковой живописи. Ранний этап его профессионального пути связан с Дмитровским фарфоровым заводом, где в составе художественной лаборатории он участвовал в создании авторских коллекций на основе народных промыслов. Эти работы были представлены на российских и международных выставках. Параллельно Воронин работал в графическом дизайне, сотрудничая с журналом «Советская женщина».
В дальнейшем художник сосредоточился на авторских проектах в сфере предметного дизайна и интерьера: создавал фрески и декоративные элементы для частных архитектурных объектов, развивал собственную мастерскую «Арт Мастер», занимался реставрацией антикварной мебели и производством уникальных предметов роскоши, руководил собственным проектом Exclusive Backgammon.
Путешествия по странам Азии повлияли на смену художественного фокуса и привели к переходу в станковую живопись. В авторской практике Psy Art Воронин соединяет декоративную структуру, опыт работы с материалами и интерес к визуально насыщенной композиции.
А.N.
Художник, г. Москва (Россия)
Анастасия (A.N.) сформировалась как художник вне академической системы. Ее практика строится на интуитивном подходе и самостоятельном освоении художественного языка, где ключевую роль играют наблюдение и личный опыт.
Автор работает в жанрах пейзажа, портрета, натюрморта, сохраняя внимание к эмоциональной передаче образа и композиционной сдержанности. Отдельное место занимает серия ню: в этих работах художница исследует телесность как естественное состояние, избегая декоративной стилизации.
Произведения A.N. находятся в частных собраниях, были представлены на выставках в России и Великобритании.
Художник, г. Москва (Россия)
Анастасия (A.N.) сформировалась как художник вне академической системы. Ее практика строится на интуитивном подходе и самостоятельном освоении художественного языка, где ключевую роль играют наблюдение и личный опыт.
Автор работает в жанрах пейзажа, портрета, натюрморта, сохраняя внимание к эмоциональной передаче образа и композиционной сдержанности. Отдельное место занимает серия ню: в этих работах художница исследует телесность как естественное состояние, избегая декоративной стилизации.
Произведения A.N. находятся в частных собраниях, были представлены на выставках в России и Великобритании.
Наталия Сомова
Художник, г. Москва (Россия)
Наталия Сомова выросла в театральной семье, окончила Московское государственное академическое художественное училище памяти 1905 года и МГАХИ имени В.И. Сурикова. Является членом Союза художников России, Московского союза художников, Международного художественного фонда.
Профессиональная деятельность Сомовой охватывает станковую живопись, монументальное искусство, работу в театре. В 1998 году она сотрудничала с Центром драматургии и режиссуры Михаила Рощина и Алексея Казанцева, где работала как художник, а позднее — как режиссер.
Художница участвовала в восстановлении росписей Святых врат скита Оптиной пустыни, создала монументальные изображения Оптинских старцев. Также она писала иконы для храма Тихвинской иконы Божией Матери в Москве.
Произведения Сомовой представлены в музейных собраниях, включая музей А.Н. Островского, театральные музеи Москвы и Риги, Всероссийский музей декоративного искусства, а также находятся в частных коллекциях в России и за рубежом. В 2005 году Наталия была награждена медалью «За достижения в области культуры и образования» и удостоена звания «Почетный деятель искусств города Москвы».
Художник, г. Москва (Россия)
Наталия Сомова выросла в театральной семье, окончила Московское государственное академическое художественное училище памяти 1905 года и МГАХИ имени В.И. Сурикова. Является членом Союза художников России, Московского союза художников, Международного художественного фонда.
Профессиональная деятельность Сомовой охватывает станковую живопись, монументальное искусство, работу в театре. В 1998 году она сотрудничала с Центром драматургии и режиссуры Михаила Рощина и Алексея Казанцева, где работала как художник, а позднее — как режиссер.
Художница участвовала в восстановлении росписей Святых врат скита Оптиной пустыни, создала монументальные изображения Оптинских старцев. Также она писала иконы для храма Тихвинской иконы Божией Матери в Москве.
Произведения Сомовой представлены в музейных собраниях, включая музей А.Н. Островского, театральные музеи Москвы и Риги, Всероссийский музей декоративного искусства, а также находятся в частных коллекциях в России и за рубежом. В 2005 году Наталия была награждена медалью «За достижения в области культуры и образования» и удостоена звания «Почетный деятель искусств города Москвы».
Офис креативной экономики × Антоний Швиндт
Коллаборация Офиса креативной экономики и художника Антония Швиндта представляет синтез живописи и цифрового искусства с применением ИИ-технологий.
Центральную часть экспозиции составляет серия живописных работ Антония Швиндта, выполненных в смешанной технике. Процесс их создания строится на последовательном взаимодействии художника и алгоритма: композиционное решение и визуальная концепция формируются автором, а искусственный интеллект выступает инструментом первичной визуализации. Полученное изображение переносится на холст и дорабатывается вручную.
Цифровая часть стенда развивает концепцию. Экранные работы представляют собой анимированные версии живописных образов, их вариации и расширения, цифровые аватары, основанные на авторской визуальной системе.
Коллаборация Офиса креативной экономики и художника Антония Швиндта представляет синтез живописи и цифрового искусства с применением ИИ-технологий.
Центральную часть экспозиции составляет серия живописных работ Антония Швиндта, выполненных в смешанной технике. Процесс их создания строится на последовательном взаимодействии художника и алгоритма: композиционное решение и визуальная концепция формируются автором, а искусственный интеллект выступает инструментом первичной визуализации. Полученное изображение переносится на холст и дорабатывается вручную.
Цифровая часть стенда развивает концепцию. Экранные работы представляют собой анимированные версии живописных образов, их вариации и расширения, цифровые аватары, основанные на авторской визуальной системе.
Лиана Харченко
Художник, г. Краснодар (Россия)
Автор работает в области живописи и развивает многослойный визуальный язык, в котором сочетаются традиционные мотивы и актуальные художественные практики. Ее произведения наполнены светом и внутренней динамикой, обращаются к теме русской природы и ее органичного переплетения с образом детства. Сквозным мотивом выступают лирические сцены — образы, в которых угадываются повседневные ритуалы, культурные коды и тонкое ощущение национальной идентичности.
В отдельной серии «Сила внутри» Лиана Харченко обращается к архетипу женщины-воина, наделяя героинь символической броней и помещая их в насыщенную и пульсирующую цветовую среду. Контраст между доспехами и внутренней уязвимостью раскрывает сложную природу женственности, трактуемой как источник силы и внутреннего огня.
Третья линия творчества — авторская концепция «тактильного реализма». Художница экспериментирует с материальностью живописи. Объемные текстуры и фактурные поверхности формируют особое чувственное пространство, в которое зритель вовлекается не только визуально, но и через осязание. Природные мотивы, флора и фауна, женские образы объединяются в гармоничные композиции, где границы между реальностью и ощущением становятся условными.
Художник, г. Краснодар (Россия)
Автор работает в области живописи и развивает многослойный визуальный язык, в котором сочетаются традиционные мотивы и актуальные художественные практики. Ее произведения наполнены светом и внутренней динамикой, обращаются к теме русской природы и ее органичного переплетения с образом детства. Сквозным мотивом выступают лирические сцены — образы, в которых угадываются повседневные ритуалы, культурные коды и тонкое ощущение национальной идентичности.
В отдельной серии «Сила внутри» Лиана Харченко обращается к архетипу женщины-воина, наделяя героинь символической броней и помещая их в насыщенную и пульсирующую цветовую среду. Контраст между доспехами и внутренней уязвимостью раскрывает сложную природу женственности, трактуемой как источник силы и внутреннего огня.
Третья линия творчества — авторская концепция «тактильного реализма». Художница экспериментирует с материальностью живописи. Объемные текстуры и фактурные поверхности формируют особое чувственное пространство, в которое зритель вовлекается не только визуально, но и через осязание. Природные мотивы, флора и фауна, женские образы объединяются в гармоничные композиции, где границы между реальностью и ощущением становятся условными.
Елена Истомина
Художник, г. Таганрог (Россия)
В своих живописных работах Елена Истомина стремится передать красоту и гармонию окружающего мира. Величие природы побуждает задуматься о том, как важно сохранить ее богатое и хрупкое наследие для будущих поколений.
Елена Истомина — почетный член Международной академии современных искусств, Творческого союза художников России, Союза русских художников, Евразийского художественного союза; победитель всероссийских и международных конкурсов, ведет активную выставочную деятельность. Ее произведения представлены в частных коллекциях в России, Европе, США.
Награждена серебряной медалью международного конкурса Art Excellence Awards. Работы автора вошли в каталог мастеров «Христианское искусство — 2024», изданного при поддержке Московской Патриархии Русской православной церкви и Святейшего Патриарха Московского и всея Руси Кирилла.
Художник, г. Таганрог (Россия)
В своих живописных работах Елена Истомина стремится передать красоту и гармонию окружающего мира. Величие природы побуждает задуматься о том, как важно сохранить ее богатое и хрупкое наследие для будущих поколений.
Елена Истомина — почетный член Международной академии современных искусств, Творческого союза художников России, Союза русских художников, Евразийского художественного союза; победитель всероссийских и международных конкурсов, ведет активную выставочную деятельность. Ее произведения представлены в частных коллекциях в России, Европе, США.
Награждена серебряной медалью международного конкурса Art Excellence Awards. Работы автора вошли в каталог мастеров «Христианское искусство — 2024», изданного при поддержке Московской Патриархии Русской православной церкви и Святейшего Патриарха Московского и всея Руси Кирилла.
Роман Резницкий
Художник, г. Москва (Россия)
Автор позиционирует себя как художника, создающего визуальную философию, — его произведения ориентированы на думающую и взыскательную аудиторию.
В основе творчества Резницкого — яркий эротичный поп-арт, метафорично представляющий суть современного общества. Позже художник развивает дот-арт как более сдержанный, минималистичный язык: черно-белые, лаконичные картины, где главный персонаж и смысловая точка отсчета — изображение Глаза, символизирующего новый взгляд на мир. Все картины имеют квадратный формат, а фактурные мазки придают им сложную многослойную текстуру.
Работы Резницкого экспонировались на международных площадках: Salon International в Париже, галереи Altmans Gallery (Тель‑Авив и Москва), FINEART gallery, Art It Easy gallery в CUBE, Frida Fine Arts Gallery, Nikolskaya Gallery, Art.Who.Art, «Артмуза», Lampa Studio, Metropolis Gallery (Санкт‑Петербург), THEART Gallery в Лондоне. Художник делал коллаборации с Wines of Germany, Centrsvet, Inshaker Cocktails, 8 Selection, Sochi Marriott, Feight, Cube.Moscow, МТС, A101. Участник eventi collaterali Венецианской биеннале.
Художник, г. Москва (Россия)
Автор позиционирует себя как художника, создающего визуальную философию, — его произведения ориентированы на думающую и взыскательную аудиторию.
В основе творчества Резницкого — яркий эротичный поп-арт, метафорично представляющий суть современного общества. Позже художник развивает дот-арт как более сдержанный, минималистичный язык: черно-белые, лаконичные картины, где главный персонаж и смысловая точка отсчета — изображение Глаза, символизирующего новый взгляд на мир. Все картины имеют квадратный формат, а фактурные мазки придают им сложную многослойную текстуру.
Работы Резницкого экспонировались на международных площадках: Salon International в Париже, галереи Altmans Gallery (Тель‑Авив и Москва), FINEART gallery, Art It Easy gallery в CUBE, Frida Fine Arts Gallery, Nikolskaya Gallery, Art.Who.Art, «Артмуза», Lampa Studio, Metropolis Gallery (Санкт‑Петербург), THEART Gallery в Лондоне. Художник делал коллаборации с Wines of Germany, Centrsvet, Inshaker Cocktails, 8 Selection, Sochi Marriott, Feight, Cube.Moscow, МТС, A101. Участник eventi collaterali Венецианской биеннале.
Илья Цхурбаев
Художник, г. Москва (Россия)
Выходец из творческой семьи Илья Цхурбаев получил классическое художественное образование и работает в традиционных живописных техниках, обращаясь к теме Кавказа. В своих произведениях он стремится раскрыть многогранность региона и историю предков, избегая клише и стереотипов, формируя собственный художественный язык.
Хотя Илья родился и вырос в Москве, он часто проводил лето на родине родителей — среди горного воздуха и живых традиций, которые впитывал с детства. Его полотна передают особое романтическое ощущение каникулы, превращая его в ностальгическое переживание.
Кавказ как культурный феномен раскрывается в его работах через повседневную жизнь обычных людей, что придает его творчеству глубину и подлинность. Обращение к этническим мотивам и национальной идентичности становится важной частью художественного высказывания и вкладом в сохранение наследия региона.
Художник, г. Москва (Россия)
Выходец из творческой семьи Илья Цхурбаев получил классическое художественное образование и работает в традиционных живописных техниках, обращаясь к теме Кавказа. В своих произведениях он стремится раскрыть многогранность региона и историю предков, избегая клише и стереотипов, формируя собственный художественный язык.
Хотя Илья родился и вырос в Москве, он часто проводил лето на родине родителей — среди горного воздуха и живых традиций, которые впитывал с детства. Его полотна передают особое романтическое ощущение каникулы, превращая его в ностальгическое переживание.
Кавказ как культурный феномен раскрывается в его работах через повседневную жизнь обычных людей, что придает его творчеству глубину и подлинность. Обращение к этническим мотивам и национальной идентичности становится важной частью художественного высказывания и вкладом в сохранение наследия региона.
Екатерина Домбровская
Художник, г. Москва (Россия)
Екатерина Домбровская работает на пересечении анимации, иллюстрации и современной живописи. Она окончила Высшее училище анимационной кинематографии «Аргус» и работала в легендарных студиях «Пилот», «Классика», «Союзмультфильм», «Тема» и Christmas Films, участвовала в создании проектов Snow Queen, People, «Тайны леса», «Похититель света», «Элька», «Баба‑Яга и другие», Mabinogi.
Параллельно автор освоила смежные художественные области: окончила Международную школу дизайна интерьера «детали», работала декоратором в архитектурных бюро. Ее интерьерные проекты публиковались в профильных изданиях. Она также получила профессии графического дизайнера и нейрохудожника, что отражается в синтетическом подходе к образу и композиции.
Домбровская регулярно участвует в групповых выставках в Москве, в том числе в современных арт-пространствах, где ее работы представлены в жанрах живописи, графики и принтов, а художественный стиль комментируется как сочетание фигуративности, символизма и наивного мотива.
Художник, г. Москва (Россия)
Екатерина Домбровская работает на пересечении анимации, иллюстрации и современной живописи. Она окончила Высшее училище анимационной кинематографии «Аргус» и работала в легендарных студиях «Пилот», «Классика», «Союзмультфильм», «Тема» и Christmas Films, участвовала в создании проектов Snow Queen, People, «Тайны леса», «Похититель света», «Элька», «Баба‑Яга и другие», Mabinogi.
Параллельно автор освоила смежные художественные области: окончила Международную школу дизайна интерьера «детали», работала декоратором в архитектурных бюро. Ее интерьерные проекты публиковались в профильных изданиях. Она также получила профессии графического дизайнера и нейрохудожника, что отражается в синтетическом подходе к образу и композиции.
Домбровская регулярно участвует в групповых выставках в Москве, в том числе в современных арт-пространствах, где ее работы представлены в жанрах живописи, графики и принтов, а художественный стиль комментируется как сочетание фигуративности, символизма и наивного мотива.
Диана Такмазьян-Сельвян
Художник, г. Москва (Россия)
Художница работает в авторской технике. В своих интерьерных панно и картинах она соединяет декоративную выразительность с вниманием к материалу, создавая произведения из премиальных фактур, в том числе с использованием натурального камня.
Ее практика строится на тонком балансе между художественным образом и предметной средой: работы Дианы органично существуют в интерьере, но при этом сохраняют индивидуальность. В них важны ритм, фактура, ощущение рукотворности, благодаря которым каждый объект воспринимается как уникальный.
Диана участвовала в выставках на ВДНХ, в проекте «Русский Дом» в Москве, в российско-испанской выставке современного искусства Kahlo, а также представляла работы в галереях Сочи, Екатеринбурга, Санкт-Петербурга.
Художник, г. Москва (Россия)
Художница работает в авторской технике. В своих интерьерных панно и картинах она соединяет декоративную выразительность с вниманием к материалу, создавая произведения из премиальных фактур, в том числе с использованием натурального камня.
Ее практика строится на тонком балансе между художественным образом и предметной средой: работы Дианы органично существуют в интерьере, но при этом сохраняют индивидуальность. В них важны ритм, фактура, ощущение рукотворности, благодаря которым каждый объект воспринимается как уникальный.
Диана участвовала в выставках на ВДНХ, в проекте «Русский Дом» в Москве, в российско-испанской выставке современного искусства Kahlo, а также представляла работы в галереях Сочи, Екатеринбурга, Санкт-Петербурга.
Нина Рассен
Художник, скульптор, дизайнер, г. Москва (Россия)
Основательницу авторского направления «Многомерная бионика» и бренда Rassen Art называют «русским Гауди» за выразительный, пластичный и узнаваемый художественный язык. В основе ее практики — идея живой формы, в которой органика, движение, цвет и фактура соединяются в цельный образ. Работы представляют собой самостоятельные художественные миры, в которых важны энергия, символика и эффект погружения.
Нина Рассен — почетный деятель искусств России, член Профессионального союза художников России, лауреат международных премий Art Elitarch Awards и Stella Virtuoso, имеет статус сертифицированного художника Akoun.
Произведения Рассен представлены в России и за рубежом: в галереях Испании, Англии, Румынии, Греции. Также ее работы участвовали вернисажах в Москве, Лондоне, Париже, Мадриде, Сантьяго, Инсбруке, Брюсселе, Амстердаме, Монако-Вилле.
Художник, скульптор, дизайнер, г. Москва (Россия)
Основательницу авторского направления «Многомерная бионика» и бренда Rassen Art называют «русским Гауди» за выразительный, пластичный и узнаваемый художественный язык. В основе ее практики — идея живой формы, в которой органика, движение, цвет и фактура соединяются в цельный образ. Работы представляют собой самостоятельные художественные миры, в которых важны энергия, символика и эффект погружения.
Нина Рассен — почетный деятель искусств России, член Профессионального союза художников России, лауреат международных премий Art Elitarch Awards и Stella Virtuoso, имеет статус сертифицированного художника Akoun.
Произведения Рассен представлены в России и за рубежом: в галереях Испании, Англии, Румынии, Греции. Также ее работы участвовали вернисажах в Москве, Лондоне, Париже, Мадриде, Сантьяго, Инсбруке, Брюсселе, Амстердаме, Монако-Вилле.
Андрей Карташёв
Художник, г. Москва (Россия)
Андрей Карташёв работает с жанрами анималистики и религиозной живописи. Автор обращается к древним мифам и легендам, создавая насыщенные по цвету и динамике линий картины в направлении наивного искусства. Главные проекты — «Садко» (2025), «Сова» (2026).
Несколько лет художник брал частные уроки у Юрия Мелексетяна (Юра Мекс), затем продолжил самостоятельное обучение. Карташёв принимал участие в групповых выставках в Москве. В их числе арт-проект «Модно-подводная одиссея команды Садко» в галерее «Здесь на Таганке» (2026), выставка «Музей экологического искусства» (2022). В 2022 году Андрей прошел отбор на Московскую международную биеннале современного искусства в Третьяковской галерее.
В 2016 году Андрей Карташёв создал производственную студию «Опора красного», специализирующуюся на строительстве и изготовлении декораций для кино, телевидения, рекламы и мероприятий. Среди известных фильмов, для которых его команда произвела декорации, — «Движение вверх», «Огонь», «Пара из будущего», «Бременские музыканты», «Хроники русской революции».
Художник, г. Москва (Россия)
Андрей Карташёв работает с жанрами анималистики и религиозной живописи. Автор обращается к древним мифам и легендам, создавая насыщенные по цвету и динамике линий картины в направлении наивного искусства. Главные проекты — «Садко» (2025), «Сова» (2026).
Несколько лет художник брал частные уроки у Юрия Мелексетяна (Юра Мекс), затем продолжил самостоятельное обучение. Карташёв принимал участие в групповых выставках в Москве. В их числе арт-проект «Модно-подводная одиссея команды Садко» в галерее «Здесь на Таганке» (2026), выставка «Музей экологического искусства» (2022). В 2022 году Андрей прошел отбор на Московскую международную биеннале современного искусства в Третьяковской галерее.
В 2016 году Андрей Карташёв создал производственную студию «Опора красного», специализирующуюся на строительстве и изготовлении декораций для кино, телевидения, рекламы и мероприятий. Среди известных фильмов, для которых его команда произвела декорации, — «Движение вверх», «Огонь», «Пара из будущего», «Бременские музыканты», «Хроники русской революции».
Александр Левченков
Художник, г. Электросталь (Россия)
Александр Левченков следует традициям русской реалистической школы. Его основные специализации — психологический и исторический портрет, а также жанровая и батальная живопись.
Художник получил образование в Федоскинском училище миниатюрной живописи и в Российской академии живописи, ваяния и зодчества. Преподает в Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки. С 2023 года работает в Студии военных художников имени М.Б. Грекова.
Автор постоянно участвует в выставках, его работы находятся в государственных музеях и частных собраниях России, а также в частных коллекциях США, Китая и других стран.
Художник, г. Электросталь (Россия)
Александр Левченков следует традициям русской реалистической школы. Его основные специализации — психологический и исторический портрет, а также жанровая и батальная живопись.
Художник получил образование в Федоскинском училище миниатюрной живописи и в Российской академии живописи, ваяния и зодчества. Преподает в Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки. С 2023 года работает в Студии военных художников имени М.Б. Грекова.
Автор постоянно участвует в выставках, его работы находятся в государственных музеях и частных собраниях России, а также в частных коллекциях США, Китая и других стран.
Массимилиано Робино
Художник, дизайнер, г. Виджевано (Италия)
Концептуальные проекты художника охватывают визуальную абстракцию и фигуративное искусство. Он специализируется на разработке инновационных техник и оригинальных художественных исследованиях материалов. Один из наиболее значимых этапов творчества Массимилиано — создание фактурных произведений с использованием техники термопластического сплавления, позволяющей переосмыслить пластические свойства материала и придать произведениям скульптурную выразительность.
На фестивале художник представит новейшее оригинальное направление riflettura, вдохновленное русской культурой. В этих работах, посвященных русскому балету, художник использует изысканные ткани и ценные материалы, включая кожу, применяемую в мебельном производстве и дизайне интерьеров.
Художник, дизайнер, г. Виджевано (Италия)
Концептуальные проекты художника охватывают визуальную абстракцию и фигуративное искусство. Он специализируется на разработке инновационных техник и оригинальных художественных исследованиях материалов. Один из наиболее значимых этапов творчества Массимилиано — создание фактурных произведений с использованием техники термопластического сплавления, позволяющей переосмыслить пластические свойства материала и придать произведениям скульптурную выразительность.
На фестивале художник представит новейшее оригинальное направление riflettura, вдохновленное русской культурой. В этих работах, посвященных русскому балету, художник использует изысканные ткани и ценные материалы, включая кожу, применяемую в мебельном производстве и дизайне интерьеров.
Гоша Камаев
Фотограф, художник, г. Москва (Россия)
В центре художественного высказывания Гоши Камаева — человек как процесс: изменчивый, многослойный, ускользающий от однозначного определения. Автор обращается к состояниям, которые трудно артикулировать, — уязвимости, внутренней свободе, поиску идентичности, моментам становления и перелома. Его работы фиксируют не столько образ, сколько фазу перехода — пограничное состояние, где прежние формы размываются, а новые не обрели устойчивость.
Формальный язык художника подвижен и вариативен. Человеческая фигура в его произведениях может утрачивать четкость, растворяться в пространстве, превращаться в силуэт, след или абстрактную структуру. Свет и цвет не описывают реальность, а задают эмоциональное напряжение, обозначают границы между проявленным и скрытым. Пространство, в свою очередь, становится продолжением внутреннего состояния, усиливая эффект погружения.
Практика Камаева сознательно избегает стилистической фиксации. В его визуальном поле сосуществуют элементы фэшн-фотографии, лайфстайла, документальности, абстракции. Такой подход позволяет художнику сохранять открытость эксперименту и не ограничивать себя рамками одной эстетики.
Фотограф, художник, г. Москва (Россия)
В центре художественного высказывания Гоши Камаева — человек как процесс: изменчивый, многослойный, ускользающий от однозначного определения. Автор обращается к состояниям, которые трудно артикулировать, — уязвимости, внутренней свободе, поиску идентичности, моментам становления и перелома. Его работы фиксируют не столько образ, сколько фазу перехода — пограничное состояние, где прежние формы размываются, а новые не обрели устойчивость.
Формальный язык художника подвижен и вариативен. Человеческая фигура в его произведениях может утрачивать четкость, растворяться в пространстве, превращаться в силуэт, след или абстрактную структуру. Свет и цвет не описывают реальность, а задают эмоциональное напряжение, обозначают границы между проявленным и скрытым. Пространство, в свою очередь, становится продолжением внутреннего состояния, усиливая эффект погружения.
Практика Камаева сознательно избегает стилистической фиксации. В его визуальном поле сосуществуют элементы фэшн-фотографии, лайфстайла, документальности, абстракции. Такой подход позволяет художнику сохранять открытость эксперименту и не ограничивать себя рамками одной эстетики.
Мария Молодых
Художник, г. Москва (Россия)
В творчестве Марии Молодых раскрывается многогранность русской живописи. В нем ярко звучат темы истории и культурной памяти, красоты и душевной глубины человека. В ее работах героини разных эпох, изящные балерины, обитатели провинциальных улочек, натюрморты с букетами и антикварной посудой создают образ цельного и живого мира.
Художник-живописец в четвертом поколении, Мария Молодых сохраняет традиции академической школы. Она преподает в Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки и работает в Студии военных художников имени М. Б. Грекова, сочетая педагогику, выставочную практику и участие в крупных проектах.
Картины Молодых экспонируются в России и за рубежом. Ее работы входят в коллекции государственных музеев и частных собраний России, США, Канады, Китая, Франции, Исландии, Нидерландов, регулярно публикуются в альбомах, газетах и арт-изданиях.
Художник, г. Москва (Россия)
В творчестве Марии Молодых раскрывается многогранность русской живописи. В нем ярко звучат темы истории и культурной памяти, красоты и душевной глубины человека. В ее работах героини разных эпох, изящные балерины, обитатели провинциальных улочек, натюрморты с букетами и антикварной посудой создают образ цельного и живого мира.
Художник-живописец в четвертом поколении, Мария Молодых сохраняет традиции академической школы. Она преподает в Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки и работает в Студии военных художников имени М. Б. Грекова, сочетая педагогику, выставочную практику и участие в крупных проектах.
Картины Молодых экспонируются в России и за рубежом. Ее работы входят в коллекции государственных музеев и частных собраний России, США, Канады, Китая, Франции, Исландии, Нидерландов, регулярно публикуются в альбомах, газетах и арт-изданиях.
Любовь Барыкина
Почетный Академик Российской Академии Художеств, Мастер Спорта Международного Класса по художественной гимнастике, Тренер Сборной Германии и хореограф национальных сборных мира, фестиваля Алины Кабаевой. Создатель международного выставочного и образовательного проекта «Искусство в Спорте»: 16 стран мира, 22 региона РФ, 70 городов, 7000 участников, 13 художественных музеев.
Почетный Академик Российской Академии Художеств, Мастер Спорта Международного Класса по художественной гимнастике, Тренер Сборной Германии и хореограф национальных сборных мира, фестиваля Алины Кабаевой. Создатель международного выставочного и образовательного проекта «Искусство в Спорте»: 16 стран мира, 22 региона РФ, 70 городов, 7000 участников, 13 художественных музеев.
Варвара Титаренко
Родилась в г.Москва 6 ноября 2006 года. С творчеством у меня случилась
любовь еще в раннем детстве. Я всегда знала, что буду заниматься
искусством. 2 года индивидуально обучаюсь академической живописи у
художницы Татьяны Борисовы. Проходила в 2025 году курс дпо «живописи и
рисунка» в ргу и.Косыгина.
Искусство не просто часть моей жизни,а её главный герой. Самое важное
для меня в моем творчестве - это его самость. Картина сравнима для меня с
чем то же столько тонким, как человеческая душа. В своих работах я
оставляю её кусочки в каждых мазках и движениях - это мой главный
принцип в создании.
Родилась в г.Москва 6 ноября 2006 года. С творчеством у меня случилась
любовь еще в раннем детстве. Я всегда знала, что буду заниматься
искусством. 2 года индивидуально обучаюсь академической живописи у
художницы Татьяны Борисовы. Проходила в 2025 году курс дпо «живописи и
рисунка» в ргу и.Косыгина.
Искусство не просто часть моей жизни,а её главный герой. Самое важное
для меня в моем творчестве - это его самость. Картина сравнима для меня с
чем то же столько тонким, как человеческая душа. В своих работах я
оставляю её кусочки в каждых мазках и движениях - это мой главный
принцип в создании.
Марина Овсейчик
Художник, г. Сергиев Посад (Россия)
Марина Овсейчик окончила художественную школу, работала Сергиево-Посадском институте игрушки модельщицей восковых моделей, на Загорской фабрике игрушек художником по росписи высокохудожественных изделий, долгое время занималась авторской росписью матрешек в стиле русских народных сказок.
С 2023 года посвятила себя живописи, тогда же стала членом Союза русских художников. Работает с различными медиумами, но наиболее используемыми материалами остаются масло и холст. Развитие профессиональных навыков продолжает по сей день, обучаясь в мастерских известных современных художников.
В своих произведениях Марина Овсейчик придает большое значение изображению фактуры, ее исследованию с точки зрения многообразия природы. В работах почти всегда присутствуют легкая дымка, загадочная туманность, таинственный свет, что располагает к задумчивости и наводит на мистическое прочтение картин.
Автор активно участвует в выставочной деятельности. Экспонировала работы на выставке «Верность традициям — Уникальная Россия» (Москва, 2024). Заняла второе место на выставке «Объединенные искусством» (Мехико, 2024) в номинации «Символизм». Участвовала в серии международных выставок «Живописная Россия» в Китае (Пекин-Чэнду, 2024), серии проектов «Белая трость» в Центре социальной интеграции Дианы Гурцкая (Москва, 2025). Является победителем в номинации «Пейзажи. Футуристический пейзаж» на выставке «Многоцветный мир. Россия в гостях у Китая» (Пекин, 2025).
Художник, г. Сергиев Посад (Россия)
Марина Овсейчик окончила художественную школу, работала Сергиево-Посадском институте игрушки модельщицей восковых моделей, на Загорской фабрике игрушек художником по росписи высокохудожественных изделий, долгое время занималась авторской росписью матрешек в стиле русских народных сказок.
С 2023 года посвятила себя живописи, тогда же стала членом Союза русских художников. Работает с различными медиумами, но наиболее используемыми материалами остаются масло и холст. Развитие профессиональных навыков продолжает по сей день, обучаясь в мастерских известных современных художников.
В своих произведениях Марина Овсейчик придает большое значение изображению фактуры, ее исследованию с точки зрения многообразия природы. В работах почти всегда присутствуют легкая дымка, загадочная туманность, таинственный свет, что располагает к задумчивости и наводит на мистическое прочтение картин.
Автор активно участвует в выставочной деятельности. Экспонировала работы на выставке «Верность традициям — Уникальная Россия» (Москва, 2024). Заняла второе место на выставке «Объединенные искусством» (Мехико, 2024) в номинации «Символизм». Участвовала в серии международных выставок «Живописная Россия» в Китае (Пекин-Чэнду, 2024), серии проектов «Белая трость» в Центре социальной интеграции Дианы Гурцкая (Москва, 2025). Является победителем в номинации «Пейзажи. Футуристический пейзаж» на выставке «Многоцветный мир. Россия в гостях у Китая» (Пекин, 2025).
Дима Смольянинов
Современный художник, г. Москва (Россия)
Дима Смольянинов работает в стиле сюрреалистического фэнтези. Его работы выделяются необычной композицией, мягкой пастельной палитрой и фантастическими образами, наполненными мечтательной и загадочной атмосферой. Картины художника не несут конкретного послания. Любой смысл, который видит зритель, — плод его собственной фантазии и творческого восприятия. Художник стремится создать пространство для свободного воображения и личной интерпретации каждого, кто соприкасается с его искусством.
«Я стараюсь поймать ощущение остановленного момента. Как будто кто-то поставил на паузу странный, но приятный сон, из которого немного жаль просыпаться. Мне важно, чтобы мои картины вызывали легкое волнение, улыбку и просто удовольствие, чтобы их было приятно и интересно рассматривать, искать забавные детали. Я хочу дать зрителю визуальный импульс и свободу самому решать, что происходит на картине, наделить ее тем смыслом, каким он сам захочет. Если спросить меня, что происходит на картине, что хотел сказать автор, я честно отвечу: “Понятия не имею, а вам как кажется?”» — Дима Смольянинов.
Участие в выставках и публикации:
Dreams&Nightmares, Boomer Gallery (Великобритания, Лондон, 2025)
«4 сезона», Molbert Gallery (Россия, Санкт-Петербург, 2025)
«Пробуждение», арт-галерея «Летай» (Россия, Москва, 2025)
«Другие миры», арт-галерея «Летай» (Россия, Москва, 2025)
«Декоративное искусство ТСХР», галерея «Тушино» (Россия, Москва, 2025)
«В самом соку», винный бар «Дело не в вине» (Россия, Москва, 2025)
«Другой мир», галерея «Вдохновение» (Россия, Москва, 2025)
Публикация и интервью в Visual Art Journal, (США, 2025)
«Горячий лёд», Bohemian Art (Россия, Москва, 2025)
«Там, где жили наши сны», галерея S/LAY (Россия, Москва, 2026)
«Обратная связь», галерея «Квартира S», Artplay (Россия, Москва, 2026)
Современный художник, г. Москва (Россия)
Дима Смольянинов работает в стиле сюрреалистического фэнтези. Его работы выделяются необычной композицией, мягкой пастельной палитрой и фантастическими образами, наполненными мечтательной и загадочной атмосферой. Картины художника не несут конкретного послания. Любой смысл, который видит зритель, — плод его собственной фантазии и творческого восприятия. Художник стремится создать пространство для свободного воображения и личной интерпретации каждого, кто соприкасается с его искусством.
«Я стараюсь поймать ощущение остановленного момента. Как будто кто-то поставил на паузу странный, но приятный сон, из которого немного жаль просыпаться. Мне важно, чтобы мои картины вызывали легкое волнение, улыбку и просто удовольствие, чтобы их было приятно и интересно рассматривать, искать забавные детали. Я хочу дать зрителю визуальный импульс и свободу самому решать, что происходит на картине, наделить ее тем смыслом, каким он сам захочет. Если спросить меня, что происходит на картине, что хотел сказать автор, я честно отвечу: “Понятия не имею, а вам как кажется?”» — Дима Смольянинов.
Участие в выставках и публикации:
Dreams&Nightmares, Boomer Gallery (Великобритания, Лондон, 2025)
«4 сезона», Molbert Gallery (Россия, Санкт-Петербург, 2025)
«Пробуждение», арт-галерея «Летай» (Россия, Москва, 2025)
«Другие миры», арт-галерея «Летай» (Россия, Москва, 2025)
«Декоративное искусство ТСХР», галерея «Тушино» (Россия, Москва, 2025)
«В самом соку», винный бар «Дело не в вине» (Россия, Москва, 2025)
«Другой мир», галерея «Вдохновение» (Россия, Москва, 2025)
Публикация и интервью в Visual Art Journal, (США, 2025)
«Горячий лёд», Bohemian Art (Россия, Москва, 2025)
«Там, где жили наши сны», галерея S/LAY (Россия, Москва, 2026)
«Обратная связь», галерея «Квартира S», Artplay (Россия, Москва, 2026)
Алексей Сергиенко
Художник, перформер, г. Москва (Россия)
Арт-бизнесмен, художник и йог Алексей Сергиенко — автор более тысячи проектов и создатель ряда известных арт-инициатив. Его работы находятся в Кремле, Государственной Думе, МИДе, Совете Федерации, а также в частных и государственных музеях.
В один день Алексей Сергиенко установил три мировых рекорда в искусстве: нарисовал 1191 картину, продал 723 из них и создал 7087 ромашек.
С проектом «Эмоциональный портрет» он участвовал в конференции TEDx в Швейцарии. Идея была связана с созданием изображения человека с помощью биения его сердца.
Среди наиболее известных проектов также — шоу «Небедный художник», арт-объект «Денежный трон» в соавторстве с Игорем Рыбаковым, арт-объекты «Лабиринт любви» и «Машина времени», а также «Золотой йог» и «Золотые гвозди».
Алексей Сергиенко является создателем Интерактивного музея современного искусства, техно-клуба TUNNEL, клуба-музея «Котельная Камчатка» и иммерсивного театра «Музей эмоций».
Художник, перформер, г. Москва (Россия)
Арт-бизнесмен, художник и йог Алексей Сергиенко — автор более тысячи проектов и создатель ряда известных арт-инициатив. Его работы находятся в Кремле, Государственной Думе, МИДе, Совете Федерации, а также в частных и государственных музеях.
В один день Алексей Сергиенко установил три мировых рекорда в искусстве: нарисовал 1191 картину, продал 723 из них и создал 7087 ромашек.
С проектом «Эмоциональный портрет» он участвовал в конференции TEDx в Швейцарии. Идея была связана с созданием изображения человека с помощью биения его сердца.
Среди наиболее известных проектов также — шоу «Небедный художник», арт-объект «Денежный трон» в соавторстве с Игорем Рыбаковым, арт-объекты «Лабиринт любви» и «Машина времени», а также «Золотой йог» и «Золотые гвозди».
Алексей Сергиенко является создателем Интерактивного музея современного искусства, техно-клуба TUNNEL, клуба-музея «Котельная Камчатка» и иммерсивного театра «Музей эмоций».
Клоков Алексей
Галерея Soyt
Райлян Юлия и Горланов Андриан
Спецпроект Африка
LUXPODARKI.RU
Илона Образцова
ОКЭ МЕДИА
Российская академия художеств
Захарова Ирина
Олег Путнин
Андрей Воронин
Магилевский Мартин
Саид Земар
Ювелирный дом Shiko
М. Милютин
ARTI GALLERY BY LILIT GEVORGYAN
Воробьев Евгений
Павел Жуковский
Платки "Русские в моде" Нины Ручкиной
Аль-хасани Хайдер Сафаа Хатем
Гюлер Вера
АРТКРУГОМ
Ирина Амосова
Алексеева Светлана
MURSUMMER
ИСИ
IDALIIA/MARI
Герман Шамаев